Apuntes y Bibliografía

01.

Punto y línea sobre plano. Wassily Kandinsky, 1926.
Exploración vanguardista con franco espíritu didáctico de un genial artista, que va hasta los elementos mínimos de la visualidad para dar cuenta de su especificidad. Referencias a múltiples artes (música, danza, plástica, gráfica) en un escrito breve y amigable, con voluntad explicativa.

02.

De lo espiritual en el arte, Wassily Kandinsky, 1911.
Este libro es el antecedente de “Punto y línea…”, donde el autor se hace preguntas fundamentales sobre la obra de arte y el fenómeno estético. Concepción idealista de matriz platónica, el texto abunda en metáforas pero con franco espíritu comunicativo. A partir de sus desarrollos, se da sustento conceptual a la abstracción no figurativa.

03.

En torno a la tipografía. Adrian Frutiger, 2002.
En este tratado sobre tipografía, el gran maestro suizo desliza su tesis del valor máximo que considera para los tipos de texto: la invisibilidad. Escrito en forma de diálogo accesible, constituye un buen panorama de los conceptos básicos para trabajar con tipografía, así como una fundamentación de la postura de Frutiger contra los manierismos esteticistas.

04.

Arte y poesía. Martin Heidegger, 1937.
Dos ensayos del principal filósofo del siglo XX, reunidos en un breve volumen. Heidegger trata de responder la pregunta sobre el arte desde lo inicial (el carácter de “cosa” de la obra) hasta llegar a una interrogación sobre su esencia.

05.

Diseño y comunicación, teorías y enfoques críticos. M. Ledesma, N. Chaves, L. Arfuch. 1997.
Tres libros en uno, tres miradas desde distintas perspectivas que complejizan el vínculo entre diseño y comunicación, cuestionando la idea de un “origen”, poniendo en crisis la idea de un hipotético “mensaje a comunicar”, caracterizando al diseño como intertexto y práctica significante. Las dos titulares de cátedra de la asignatura Comunicación de FADU UBA junto a un reconocido autor y conferenciante en el campo del diseño de identidad.

06.

La travesía de la forma. Verónica Devalle, 2009.
Otra historia, en clave no oficial y con su origen en una tesis de doctorado, sobre el Diseño en Argentina. A partir de una definición del Diseño como práctica racional de origen moderno, Devalle va situando su objeto en diferentes escenarios: el Di Tella, los años ‘90 y las privatizaciones, la revolución digital, etc. Sólidamente argumentado y accesible en su redacción.

07.

La tipografía como complejo de placer. Carlos Carpintero, 2012.
Una propuesta transdisciplinaria, con una mirada de cruce sobre la tipografía y sus “momentos”. En el texto se traman conceptos filosóficos, estéticos y sociológicos con una crítica a lo que el autor caracteriza como “discurso higienista”. Sugerencias sobre metodología de la investigación en tipografía, para estudiantes universitarios.

08.

Educación tipográfica. Francisco Galvez Pizarro, 2005.
Aproximación inicial a la tipografía para estudiantes de Diseño, del colega docente y tipógrafo chileno Pancho Galvez. Con definiciones claras y rigurosas en un contexto amable, extensamente ilustrado con imágenes explicativas.

09.

Teoría del arte moderno. Paul Klee, 1920.
Klee, como Kandinsky, solidariza con intención pedagógica los conceptos que identifican al fenómeno estético en el nuevo siglo. Indagaciones sobre la naturaleza del arte moderno, la caracterización de la experiencia estética y el espacio de la creación, desde una perspectiva que reúne la filosofía con diversas líneas teóricas sobre los problemas de la forma y el color.

10.

Los elementos del estilo tipográfico. Robert Bringhurst, 1992.
Consideraciones tipográficas sobre selección y combinación de tipos, ritmo, jerarquía y proporción, desde una visión que conjuga lo filosófico con la práctica. Como un mapa experto pero amigable sobre el territorio de la tipografía.

11.

La condición posmoderna. Jean-François Lyotard, 1979.
La modernidad, tal como la conocemos afirma Lyotard, terminó. Han concluido (no por llegar a su fin, sino por estallar y fragmentarse) los grandes relatos modernos: la existencia de una razón en la historia, la idea de progreso vinculada a la de evolución. La legitimidad de esos relatos sucumbe aquí y allá, y se redefine la relación entre tecnología, comunicación y estatuto del saber.

12.

Todo lo sólido se desvanece en el aire. Marshall Berman, 1982.
Como contrapunto al libro anterior, Berman defiende encendidamente la vigencia de la modernidad y su proyecto. La dialéctica entre modernismo y modernización como sinonimo de la modernidad, el permanente torbellino al que nos somete lo moderno con sus paradojas, crueldades e injusticias, y un espacio para la esperanza.

13.

Lo obvio y lo obtuso. Roland Barthes, 1982.
Barthes escribe haciendo fluir los conceptos, en un estilo ágil, ameno, provocador pero a la vez riguroso en su factura. Denotación y connotación, naturalización, ideología, la imagen como signo, polisemia y multiplicidad de sentidos son algunos de los temas que se encuentran en este clásico de la semiología y el post estructuralismo francés.

14.

Ante el dolor de los demás. Susan Sontag, 2003.
En el último texto publicado en vida por la brillante socióloga estadounidense Susan Sontag, encontramos una reflexión lúcida pero a la vez amarga sobre la representación visual del sufrimiento humano: un recorrido histórico desde Goya a las celdas de Abu Ghraib. Una mirada con énfasis en la cuestión de género (la guerra la hacen los hombres, retomando conceptos de Virginia Woolf) y la interpelación de la responsabilidad propia ante el dolor, el abuso, la tortura y la injusticia.

15.

Escritos preulmianos. Tomás Maldonado (sobre textos del ’40 al ’54).
Una selección de artículos a cargo de Carlos Méndez Mosquera sobre uno de los más grandes teóricos del Diseño, de gran influencia en Argentina. Estos ensayos, sumados a una entrevista dan cuenta del arte moderno, miradas sobre las vanguardias estéticas, problemas sobre formas, espacios y comunicación, siempre desde una perspectiva humanista y crítica.

16.

Psicopatología de la vida cotidiana. Sigmund Freud, 1901.
Una obra de S. Freud, accesible para el lector general, sobre la dimensión psicopatológica de aquello que consideramos la normalidad de la vida cotidiana. Lapsus, fallidos, recuerdos encubridores, el trabajo del sueño, las relaciones entre inconsciente y conciencia, represión y deseo, en este clásico del padre del psicoanálisis.

17.

Idea y estructura de la Bauhaus estatal. Walter Gropius, 1923.
En esta obra Gropius describe los antecedentes del Bauhaus, su línea expresionista inicial y. su posterior orientación hacia la austeridad y simplicidad formal, con tendencia hacia lo geométrico, por influencia de Van Doesburg y Moholy Nagy.

18.

Discursos interrumpidos. Walter Benjamin, 1972.
Selección de ensayos y artículos del autor, reunidos en un volumen. Entre otros destacados, se encuentra aquí “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”, de 1936. Representante de la Escuela de Frankfurt junto a T. Adorno y M. Horkheimer, en sus obras se destaca una variante con elementos surrealistas de la denominada “teoría crítica”. Desde una perspectiva marxista, Benjamin pone en cuestión y analiza la naturaleza ideológica de toda construcción teórica, con una visión política, lúcida, heroica pero a la vez desesperanzada.

19.

Estrategia y diseño, diálogo entre empresa y diseñadores. Frank Memelsdorff, 2011.
La gestión de la relación entre clientes y diseñadores es una asignatura pendiente en el espacio de la formación de grado. En este volumen, el autor aborda el problema desde la sapiencia del obrar, pero sin caer en sentencias dogmáticas de un empirismo a ultranza, sino a modo de sugerencias metodológicas de un experto que conoce el oficio por haberlo realizado.

20.

Observaciones sobre los colores. Ludwig Wittgenstein, 1951.
Esta obra, la última escrita por el genial filósofo austríaco, data del ‘51, pero fue de publicación póstuma, como todos los libros de Wittgenstein a excepción del Tractacus. La filosofía analítico crítica del segundo Wittgenstein se hace presente aquí con toda su contundencia, a partir de una elaboración conceptual del problema del color.

21.

Sistemas de retículas. Joseph Müller-Brockmann, 1981.
Un standard de los sistemas constructivos para trabajar con tipografía. Con claridad didáctica se explican los conceptos básicos: manchas, uso de imágenes, proporciones. Pero más allá de la dimensión instrumental, hay una mirada desde una filosofía del diseño, que describe una definición posible sobre la práctica, importantísima para el estudiante.

22.

Pintura, fotografía, film. Làzlò Moholy-Nagy, 1925.
Reflexiones en torno a la luz como fenómeno y su relación con otras formas de visualidad, desde una perspectiva exploratoria. ¿Cuál es el vínculo que reúne a la plástica con la fotografía? ¿Cuál es su naturaleza y potencialidad? Gran teórico y genial artista, Moholy-Nagy fue uno de los más destacados maestros de la Bauhaus.

23.

The end of print. Lewis Backwell, David Carson, 1995.
Los ’90 fueron años de gran dinamismo y transformación en el mundo del Diseño. La revolución de las tecnologías de la información, el uso de ordenadores personales, la fotografía digital y el surgimiento de Internet lo redefinieron todo. En esta efervescencia, las provocaciones visuales y quiebres formales sobre los contratos de lectura realizada por David Carson marcó una época.

24.

Música de cañerías. Charles Bukowski, 1983.
Todos los estilemas de Bukowski se encuentran condensados en esta serie de breves textos, con las temáticas recurrentes que lo caracterizaron. La exploración del límite, la falsa trascendencia que otorga la fama, los vicios y su apología (alcohol, drogas, etc.). Retratos visuales a través de palabras de personajes condenados, humillados, vencidos y a la vez, por momentos, humanos.

25.

El diseño gráfico, una voz pública. María Ledesma, 2003.
Desde una perspectiva teórica que reúne elementos de las ciencias de la comunicación, la sociología y la filosofía, la autora hecha una nueva mirada sobre el Diseño como práctica. Señala lo extraño de definir una actividad a través de una de sus funciones (“el diseño es comunicación visual”) y ubica su origen en el período posterior a la segunda guerra mundial. Con ejemplos gráficos locales y una mirada amplia, se ponen en cuestión los discursos del Diseño que lo describen como una mera técnica objetiva, impersonal, no ideológica ni vinculada a la estética.

26.

Las redes del poder. Michel Foucault, 1982.
De una conferencia en Brasil realizada en 1976 nació este texto. Investigador incansable, Foucault va hasta la génesis del poder moderno, haciendo comprensibles sus hipótesis a través de imágenes fuertes. Saber, poder, sexualidad, historia, normas y derechos son pensados por Foucault reelaborando los desarrollos del marxismo y el psicoanálisis.

27.

Modernidad líquida. Zygmunt Bauman, 2000.
Si bien Bauman no puede ser categorizado como posmoderno (hay que sospechar de quienes se autoproclaman posmodernos, aconsejaba J. F. Lyotard), en esta obra se pone en cuestión el concepto de panóptico de Foucault, con una metáfora de la modernidad proveniente de la física. Algunos de los grandes temas de nuestro tiempo (capitalismo, consumo, relaciones interpersonales, ciudadanía) son analizados en sus definiciones, en un intento de dar cuenta del nuevo escenario que nos ordena y desordena como sujetos.

28.

Diseñar hoy. Raquel Pelta, 2004.
A partir de una revisión de los debates desde y sobre el Diseño, la autora propone ideas para considerar temas vinculados a nuestro campo y sus problemas: el estatuto de la tecnología, la responsabilidad social, el status de la tipografía y el concepto de orden.

29.

Del diseño a la interfase. Gui Bonsiepe, 1993.
Histórico profesor de la Hochschule für Gestaltung (Escuela de Ulm), Bonsiepe ha sido uno de los impulsores de la idea del Diseño como actividad proyectual. Superando la consideración más extendida del Diseño que circula aún hoy en medios masivos de comunicación, vulgarmente considerado una actividad esteticista, ornamental o cosmética, el autor propone reunir al usuario, la función y el objeto a través del concepto de interfase, como un todo articulado no entendible si se lo analiza como una tarea de superficie.

30.

Diseño.com. Néstor Sexe, 2001.
Una perspectiva rigurosa del Diseño como campo del conocimiento, con un discurso en vías de formalización. Extensas consideraciones sobre algunos de los núcleos fundamentales, como el problema del color, la dimensión retórica de la comunicación, la moda y la función social del Diseño.

31.

Vida y muerte de la imagen. Regis Debray, 1992.
Debray sostiene a lo largo de su obra una mirada que se puede considerar, metafóricamente, como “arqueológica”. Un rastreo constante sobre la genealogía de la imagen en su relación con la sociedad y el mundo. Frente a cierto agnosticismo que hoy podemos suponer frente a la imagen (en tanto habría perdido su magia), devenida en simple objeto recreativo, ilustrativo, un artefacto, el autor nos habla de una nueva relación contemporánea, el “efecto de realidad” que la imagen implica en nuestro tiempo.

32.

Historia de la percepción burguesa, Donald Lowe, 1986.
En una tarea reconstructiva y crítica próxima a la de Debray, pero con mayor profundidad y desde una filosofía con su matriz en los desarrollos de Merleau-Ponty (“Fenomenología de la Percepción”, “La estructura del comportamiento”), Lowe se dedica a pensar en el estatuto de la mirada, lo visible y sus valores asociados. Abundantes referencias a la historia del arte, la estética y la sociología, con una serie de propuestas teóricas que permiten repensar nuevas problemáticas en relación a los modos de ver los mundos representados en la imagen.

33.

Fenomenología de la percepción. Maurice Merleau-Ponty, 1945.
En una construcción crítica destinada a debatir con ciertas psicologías del comportamiento y sus hipótesis atomistas, Merleau-Ponty nos propone una visión de la percepción como un todo integral, un complejo no explicable, estudiable ni comprensible a partir de abstracciones sumatorias. Se destaca además su toma de partido existencialista en el modo de caracterizar a la conciencia: la conciencia no es en sí; además de ser conciencia de algo, es conciencia en tanto se encuentra comprometida.

34.

Visualidades sin fin. Imagen y diseño en la sociedad global. Leonor Arfuch y Verónica Devalle, 2009.
Una extensa y rigurosa compilación de textos desarrollados para acompañar la lectura de autores clásicos en el campo de la comunicación y la sociología: Emile Benveniste, Umberto Eco, Roland Barthes, Ferdinand de Saussure, junto a otros artículos que ensayan una lectura crítica sobre la definición de Diseño o aportan una visión desde el feminismo y la construcción de identidad.

35.

Lector in fabula. Umberto Eco, 1979.
La noción de “lector modelo” se trabaja en este texto caracterizándolo como una estrategia textual, antes que como un ser real (denominado “lector empírico”). El lector modelo no es alguien que está allí, esperando una lectura, sino que se constituye en la misma acción de leer, como el texto. Así, es posible trabajar la diferencia entre lector, como destinatario, de categorías provenientes de otros campos (como la tan extendida noción de target).

36.

Las ciudades invisibles. Italo Calvino. 1972.
Una magistral obra metatextual, donde Calvino teoriza sobre el lenguaje, los signos, la literatura, la existencia y la memoria desde breves fragmentos interconectados, con variaciones fabulosas sobre la travesía de Marco Polo.

37.

La interpretación de las cultura. Clifford Geertz, 1973.
El arte no puede ser interpretado con categorías intraestéticas. El fenómeno estético participa en un sistema, donde construye sus vínculos y relaciones (un “sistema cultural”, dice Geertz). Este texto es particularmente interesante para proyectar los desarrollos de Geertz sobre el arte en relación a las miradas universalistas del Diseño.

38.

Estética de la creación verbal. Mijail Bajtin, 1974.
Obra fundamental del paradigma dialógico bajtiniano, donde se trabaja el problema de los géneros discursivos, el estilo, la otredad constitutiva del lenguaje, la conclusividad y el caracter contestatario de todo enunciado. Crítica del modelo lineal de la comunicación, propuesto por R. Jakobson, que tiene plena vigencia para pensar la irreductible complejidad de las palabras vivas.

39.

Problemas de lingüística general. Emile Benveniste, 1966.
Aquí, como hace también Bajtin, se complejiza el lugar del destinatario o enunciatario, lejos de la figura pasiva y receptiva definida por Saussure y, desde otro lugar, por la teoría de la información. Hablar es realizar una acción, un acto: tomar la palabra, apropiarse de ella para poner en marcha el aparato formal de la enunciación (la lengua, que hasta ese momento sólo existe como potencia).

40.

Sociología del arte. Pierre Bourdieu y cols, 1968.
Defensa de la pertinencia de una mirada sociológica sobre el fenómeno estético, diferenciando estructura y función, caracterizando los elementos de la percepción artística y estudiando las relaciones con la cultura de masas.

41.

Historia del siglo XX. Eric Hobsbawm, 2007.
Recorre con una mirada amplia el siglo XX, desde una perspectiva que no solo abarca acontecimientos políticos/ económicos sino las transformaciones sociales, los avances de la ciencia y la tecnología, las mutaciones del arte, la formación de una nueva cultura juvenil, la crisis de la familia, la caída del socialismo y el significado del fin del milenio.

42.

El erotismo. Georges Bataille, 1979.
“El espíritu humano está expuesto a las más sorprendentes conminaciones. Se teme sin cesar a si mismo. Sus movimientos eróticos lo aterrorizan”…, así inicia el prólogo el poeta, ensayista y novelista francés, cuya obra ha pasado a ser huy una pieza fundamental del conocimiento humano occidental.

43.

Postproducción. Nicolas Bourriaud, 2007.
El escritor, critico de arte y curador francés analiza el conjunto de procesos aplicado a todo material grabado o registrado ya sea el montaje, subtitulado, voz en off, efectos especiales, etc. Establece que las artes visuales más representativas de los últimos años amplifican y extienden el anticipatorio concepto de ready made elaborado por Marcel Duchamp. Por consiguiente también reflexionan sobre la fusión entre producción y consumo.

44.

Bajo el signo de Saturno. Susan Sontag, 1987.
De una u otra forma, los ensayos de Susan Sontag han sido siempre comentarios sobre la relación entre la moral y las ideas estéticas. Abundan sus escritos críticos más importantes de la década del 70: sobre Paul Goodman, la estética del fascismo, Roland Barthes, Antonin Artaud, etc. Ya trate de arte, política, cine o feminismo, los ensayos de Susan Sontag son siempre lectura imprescindible.

45.

Escuela de Frankfurt. Alicia Entel, Víctor Lenarduzzi y Diego Gerzovich, 1999.
El libro comenta textos de Herbert Marcuse, Theodor W. Adorno, Max Horkheimer, Walter Benjamin. La obra se interesa por aportar una mirada desde el fin del milenio a los inicios de la Escuela de Frankfurt sin perder de vista los debates y olvidos latinoamericanos acerca del tema.

46.

La melancólica muerte de Chico Ostra. Tim Burton, 1999.
Un texto sencillo, ideal para leer y mirar en un viaje a la facultad. Tim Burton nos ofrece una asombrosa galería de niños solitarios, extraños y diferentes, excluidos de todos y próximos a nosotros, que nos van a horrorizar y estremecer, a emocionar y hacer reír. El autor se muestra fiel a su universo de una inventiva tan particular, en la que se mezclan la crueldad y la ternura, lo macabro y lo poético.

47.

Estética Relacional. Nicolas Bourriaud, 2006.
En este polémico y desafiante conjunto de ensayos precisa el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales. El libro viene a responder, entre otras, a la pregunta “¿de dónde viene esa obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?. La eficacia de estos ensayos aportan herramientas para comprender las claves del arte actual.

48.

Rock, Paper, Scissors,The Work of Julien Vallée. 2011.
El libro recorre la obra de este joven artista visual, donde indaga sobre el papel relativo de la computadora y los procesos artesanales en el diseño. Es una amplia gama de trabajos que incluye la dirección de arte, motion graphics, diseño impreso, instalación y arte, así como el video y el diseño para la industria de la televisión. Combina los exponentes de esta época: lo artesanal y lo tecnológico. Explora los procesos manuales apoyados fuertemente por las herramientas tecnológicas de hoy en día, creando un diseño que perfectamente salva la brecha entre estas disciplinas.

49.

Henrik Vibskov. 2012.
Describir a Henrik Vibskov simplemente como un diseñador de moda sería quedarse corto. Como artista multifacético músico apasionado, innovador escenográfico y director de su marca genera tendencias de moda que se encuentra en la vanguardia de una nueva generación de creativos multidisciplinarios. La captura de su incomparable habilidad de fusionar concepto y puesta en escena, el espacio y objeto, hace que esta monografía sea fuente de inspiración para cualquiera que trabaje en alguna actividad creativa.

50.

Pensar en imágenes, Enric Jardi. 2012.
Cuando “leemos” imágenes, nuestra mente pone en marcha un proceso completamente distinto al de la lectura de un texto. Para extraer el significado de un mensaje escrito, el cerebro se apoya en el examen secuencial, avanza linealmente y construye el sentido del texto a partir de una suma progresiva de los elementos que lo integran: letras, palabras, frases y párrafos. Para entender una imagen, sin embargo, el cerebro trabaja de un modo muy distinto. Mediante una aproximación simultánea, sintética y global, todas las partes del conjunto se perciben y se procesan a la vez, y se destila de golpe el sentido del mensaje gráfico, establece el autor.